Họa sĩ Mai Văn Hiến

Năm sinh: 1923 tại Mỹ Tho, Tiền Giang
Năm mất: 08/05/2006 tại Hà Nội
Phong cách nghệ thuật: Bột màu, phấn màu, màu nước, sơn dầu
Các tác phẩm chính: Gặp gỡ, Những lời dạy bảo, Hoa doanh trại, Du kích Đông Bắc, Anh bộ đội cụ Hồ và nhân dân Tây bắc, Bướm dọc đường, Tiếng hát giữa mùa chiến dịch

Mai Văn Hiến sinh năm 1923 tại Mỹ Tho, Tiền Giang. Ông yêu hội họa từ nhỏ, và thế là lặn lội ra tận Hà Nội, học tại trường Cao đẳng Mỹ thuật Đông Dương, từ năm 1943 đến năm 1945. Rồi từ ngôi trường ấy, như bao họa sĩ khác hăm hở dấn thân vào cuộc kháng chiến chống Pháp, bảo vệ chính quyền Việt Nam Dân chủ Cộng hoà non trẻ, Mai Văn Hiến tự nguyện đem tuổi trẻ và tài năng của mình phục vụ cách mạng.

Cùng với Nguyễn Sáng, Nguyễn Huyến,… ông là người tham gia vẽ mẫu tiền đầu tiên cho ngân hàng nhà nước trong thời kỳ đầu mới thành lập. Toàn quốc kháng chiến bùng nổ, Mai Văn Hiến gia nhập quân đội, là chiến sĩ và họa sĩ. Ông vẽ minh họa, trình bày hai tờ báo Vệ quốc quân và Quân đội Nhân dân.

Từ các chiến dịch Đông bắc, Tây bắc, qua Thượng Lào… đến Điện Biên Phủ, ông vẽ hàng trăm ký họa. Năm 1954, chiến dịch Điện Biên Phủ thắng lợi. Ngày 5-10- 1954, Hội Văn nghệ Việt Nam tại Việt Bắc tổ chức triển lãm 154 tác phẩm, như một sự tổng kết thời kỳ mỹ thuật kháng chiến chống Pháp 1945-1954. Giải thưởng lớn dành cho Tô Ngọc Vân với toàn bộ tác phẩm và ký họa về nông thôn Tây Bắc. Giải thưởng chính thức thuộc về Nguyễn Sáng với tác phẩm Chợ Bo (1953) và Giặc đốt làng tôi (1954), Mai Văn Hiến với tác phẩm Gặp gỡ (1954) và các ký họa về bộ đội…, cùng nhiều họa sĩ khác nữa.

Mai Văn Hiến là một tên tuổi sáng giá của mỹ thuật thời kỳ kháng chiến 1945-1954, một trong những người đặt nền móng cho nền nghệ thuật hiện thực cách mạng, đồng thời mở đầu cho một xu hướng nghệ thuật chính thống, là xu hướng hiện thực xã hội chủ nghĩa – như sau này các nhà nghiên cứu mỹ thuật đánh giá.

Tác phẩm của Mai Văn Hiến còn lưu giữ tại Bảo tàng Mỹ thuật Việt Nam như: Gặp gỡ (bột mầu); Những lời dạy bảo (sơn dầu); Hoa doanh trại (sơn dầu); Du kích Đông Bắc (sơn dầu); Anh bộ đội cụ Hồ và nhân dân Tây bắc; Bướm dọc đường (sơn dầu)… đều là những tác phẩm mang đậm tính cách ông, giản dị, mầu sắc nhẹ nhàng, tươi sáng, như ẩn chứa một nụ cười yêu đời và hóm hỉnh.

Ông vẽ không nhiều lắm, nhưng chỉ với những tác phẩm đã kể ở trên, ông vẫn luôn luôn là một họa sĩ hàng đầu của nền mỹ thuật Việt Nam hiện đại. Suốt gần 20 năm làm công tác Hội, là uỷ viên thường trực, Trưởng Ban đối ngoại Hội mỹ thuật Việt Nam, ông là cây bút vẽ quen thuộc cho nhiều báo.

Sinh ra ở tận Mỹ Tho nhưng từ hơn 60 năm nay gắn bó với Hà Nội, họa sĩ Mai Văn Hiến đã là một hình ảnh rất đẹp của làng hội họa đất Thăng Long. Ông đã dời căn phòng bé nhỏ, bừa bộn của ông ở phố Nguyễn Thái Học, trong số nhà có rất nhiều họa sĩ, để đi về cõi khác. Trong căn phòng của ông chẳng có đồ đạc gì, chiếc bếp điện cũ từ thời bao cấp – dấu vết còn lại của thời làm công tác đối ngoại, chỉ còn những phác thảo cũ. Ông đã đi, chỉ nụ cười hóm hỉnh của ông là còn mãi trong lòng những ai từng biết ông và nhớ về ông. Bao giờ cũng vậy, khi những con người như họa sĩ Mai Văn Hiến ra đi vào cõi vĩnh hằng, họ luôn khiến chúng ta thực sự cảm thấy trên mặt đất này đã trống vắng đi cả một phần cuộc đời của mình nữa.

Một số tác phẩm của Họa sĩ Mai Văn Hiến

“Bác Hồ ở Pác Bó” 1990, 130x170cm, sơn dầu

“Tiếng hát mùa chiến dịch” 1994, 120x180cm, sơn dầu

“Bộ đội và dân công Đông Bắc” 1999, 70x100cm, sơn dầu

“Mẹ con” 1995, 50x60cm, sơn dầu

“Chú học sinh” 1996, 90x60cm, sơn dầu

“Hoa doanh trại” 1956, 80x80cm, sơn dầu

“Sương tan” 1992, 60x90cm, sơn dầu

“Trăng non” 1980, 70x110cm, lụa

“Anh bộ đội Cụ Hồ với nhân dân Tây Bắc” 1998, 100x140cm, sơn dầu

Bìa sách Họa sĩ Mai Văn Hiến – Nhà xuất bản Mỹ thuật, 2020

Một số hình ảnh của Họa sĩ Mai Văn Hiến

Họa sĩ Mai Văn Hiến đang sáng tác

TỔNG HỢP/VIET MY/DESIGNS.VN

Bài viết Họa sĩ Mai Văn Hiến đã xuất hiện đầu tiên vào ngày designs.vn.

Lịch sử váy cưới theo thời gian

Có vẻ như các cô dâu từ xưa đến nay đã luôn kết hôn trên nền váy trắng. Xu hướng mặc một chiếc váy cưới màu trắng đã xuất hiện từ thời hoàng gia Victoria. Trước đó, cô dâu được mặc trang phục đẹp nhất mà họ muốn, màu sắc và chất liệu của chiếc váy thay đổi tùy theo địa vị xã hội của người phụ nữ.

Mặc dù màu sắc và phong cách đã thay đổi trong suốt những năm qua, các cô dâu luôn ăn mặc đẹp nhất trong dịp này. Người thuộc hoàng gia hoặc những người có địa vị cao trong xã hội luôn ăn mặc một cách tinh tế và thời thượng nhất. Những người có địa vị hạn chế vẫn coi đám cưới là một dịp đặc biệt và ăn mặc trang trọng miễn là ngân sách của họ cho phép.

Thời cổ đại và sự phụ thuộc vào truyền thống thế giới 

Vào thời cổ đại, nhiều đám cưới là sự liên minh lợi ích về kinh tế cho hai gia đình, hơn là sự kết hợp của hai người đang yêu. Tuy nhiên, các cô dâu cổ đại vẫn phải chọn biểu tượng cho hạnh phúc của mình bằng cách mặc trang phục cưới rực rỡ. Vào thời La Mã cổ đại, nụ hôn cưới được coi là ràng buộc về mặt pháp lý và thể hiện sự chấp nhận hợp đồng hôn nhân của cô dâu và chú rể. Mặc dù có những hạn chế về những gì được biết về tất cả các truyền thống váy cưới cổ xưa, các sản phẩm may mặc và màu sắc thay đổi theo văn hóa. Ví dụ:

• Ở Rome cổ đại, cô dâu đeo mạng che mặt màu vàng tượng trưng cho họ như một ngọn đuốc và tượng trưng cho sự ấm áp.

• Ở Athens cổ đại, cô dâu có khả năng mặc áo choàng dài có màu hoặc đỏ hoặc tím.

• Vào thời nhà Chu (khoảng 1046-256 trước Công Nguyên) ở Trung Quốc, trang phục cô dâu có màu đen với viền đỏ. Trong thời kỳ Hán, quần áo màu đen đã được mặc, và trong thời nhà Đường của Trung Quốc (khoảng 618 đến 906 sau Công Nguyên), các sắc lệnh về quần áo đã trở nên ít nghiêm ngặt hơn và nó khá là thời trang cho các cô dâu mặc màu xanh lá cây.

• Cô dâu truyền thống Nhật Bản mặc một số kimono màu khác nhau trong ngày cưới.

• Ở Hàn Quốc, truyền thống quần áo của cô dâu là mô phỏng hoàng gia, có thể là một chiếc áo được thiết kế công phu với tay áo dài có nhiều màu như xanh, đỏ và vàng bằng lụa.

Thời Trung cổ 

Trong thời Trung cổ (thế kỷ thứ 5 đến thế kỷ 15), đám cưới vẫn không chỉ là sự kết hợp giữa hai người. Nó thường đại diện cho một liên minh giữa hai gia đình, hai doanh nghiệp và thậm chí hai quốc gia. Đám cưới thường được sắp xếp và là vấn đề chính trị hơn là tình yêu. Một cô dâu phải ăn mặc theo cách khiến gia đình cô ấy hài lòng nhất, vì cô ấy không chỉ đại diện cho chính mình.

·       Cô dâu thời trung cổ của một vị thế xã hội cao mặc màu sắc phong phú, vải đắt tiền và thường có đá quý được may vào quần áo. Người ta thường thấy có những cô dâu còn được khoác lên mình những lớp lông thú, nhung và lụa có màu đậm.

. Những người có địa vị xã hội thấp hơn mặc những loại vải không phong phú, mặc dù họ đã cố gắng bắt chước các phong cách thanh lịch nhất có thể.

· Váy cưới ở thời trung cổ có thể có nhiều sắc thái – màu xanh rất phổ biến vì sự liên quan của nó với độ tinh khiết, nhưng váy cũng có thể là màu đỏ, vàng, xanh lá cây hoặc một sắc thái khác.

Thời Phục Hưng 

Trong thời Phục hưng (khoảng thế kỷ 14 đến 17, trùng với thời đại Elizabeth của Anh, 1558-1603), thời trang nói chung được thiết lập bởi giới quý tộc. Phụ nữ thường mặc đồ tốt nhất có thể, và có thể bao gồm một số lớp dưới áo choàng chính. Đám cưới có thể rất phức tạp, và những chiếc váy sẽ phản ánh khía cạnh đó. Các khía cạnh khác của thời đại này có thể đã xuất hiện trong váy cưới thời Phục hưng bao gồm:

• Áo dài đi từ vai hoặc cổ đến chân, có thể nối liền bằng một đường dây thiết kế dài sau lưng.

• Váy liền thân được thiết kế theo hình quả chuông

• Burgundy (đỏ rượu) là một màu phổ biến cho các cô dâu trong khoảng thời gian này.

Định mức xã hội và trang phục cưới 

Trong suốt nhiều năm, các cô dâu tiếp tục ăn mặc theo cách phù hợp với địa vị xã hội của họ; luôn luôn ở đỉnh cao của thời trang, với những vật liệu phong phú nhất, táo bạo nhất có thể mua được.

Chất liệu – số lượng chất liệu của một chiếc váy cưới sẽ phản ánh vị thế xã hội của cô dâu. Chẳng hạn, tay áo càng chảy, tàu áo càng dài, gia đình cô dâu càng giàu có. Các vật liệu cũng sẽ tiếp tục phản ánh địa vị xã hội hoặc mức độ giàu có của cô dâu, ví dụ, các cô dâu Elizabeth thuộc tầng lớp thượng lưu có thể mặc satin, nhung hoặc cordouroy, trong khi các cô dâu thuộc tầng lớp thấp hơn có thể mặc các chất vải lanh, cotton hoặc len.

Váy cưới thời Victoria

Trước thời trị vì của Nữ hoàng Victoria (1837-1901), phụ nữ thường không mặc váy cưới màu trắng. Mặc dù có một số trường hợp ngoại lệ, chẳng hạn như Mary Queen of Scots (người mặc váy trắng trong đám cưới của mình vào năm 1558), phụ nữ thường mặc các màu khác, có thể bao gồm xanh lam, đỏ, vàng, xanh lá cây hoặc thậm chí là xám.

Áo cưới trắng của Nữ hoàng Victoria

Năm 1840, Nữ hoàng Victoria kết hôn với Hoàng tử Albert xứ Saxe và bà đã mặc một chiếc váy cưới màu trắng. Vào thời đó, khác với màu xanh dương, màu trắng không phải là biểu tượng của sự tinh khiết. Trên thực tế, nhiều phụ nữ đã chọn màu xanh lam cho váy cưới của mình vì lý do nó là điểm đặc trưng cho sự trong trắng của người phụ nữ. Mặt khác, màu trắng tượng trưng cho sự giàu có. Vì chiếc váy của cô được làm bằng ren thủ công, nên Victoria đã chọn màu trắng vì nó là màu hoàn hảo để làm nổi bật chiếc váy phi thường của cô. Vì màu trắng thường không được chọn làm màu cưới, nên chiếc váy của Victoria đã gây bất ngờ.

Một xu hướng mới

Tuy nhiên, đó không phải là một bất ngờ gây khó chịu, bởi vì ngay sau đó, rất nhiều phụ nữ có địa vị xã hội cao trên khắp châu Âu và châu Mỹ cũng bắt đầu mặc váy cưới màu trắng. Mặc dù thỉnh thoảng có những ví dụ về những phụ nữ khác mặc đồ trắng trước Nữ hoàng Victoria, nhưng bà được cho là người đã bắt đầu mang lại sự phổ biến cho váy cưới màu trắng. Một số phụ nữ vẫn chọn kết hôn với màu sắc khác, nhưng xu hướng thiên về màu trắng được hình thành sau đám cưới của Nữ hoàng Victoria.

Sự phát triển của chiếc váy cưới trắng

Một khi xu hướng đối với màu trắng được hình thành, nó tiếp tục phát triển. Mặc dù phong cách thay đổi qua nhiều năm, váy trắng đã trở thành tiêu chuẩn cho váy cưới ở phương Tây.

Cuộc cách mạng công nghiệp

Vào đầu thế kỷ này, cuộc Cách mạng Công nghiệp đã khiến nhiều cô dâu có khả năng mua một chiếc váy mới cho ngày cưới của mình hơn và tất nhiên, màu trắng là màu được lựa chọn nhiều nhất cả. Sự xuất hiện của du lịch đường sắt đã ảnh hưởng đến phong cách váy cưới, một số có váy có đường hẹp hơn. Những chiếc váy này tuân theo các xu hướng và phong cách thời đó và tiếp tục như vậy một thế kỷ sau. Màu váy cưới thịnh hành nhất ở Âu Mỹ vẫn là màu trắng.

Đầu những năm 1900

Vào đầu những năm 1900, kiểu váy với phần eo hẹp (dùng với áo nịt ngực) và tay áo phồng rất phổ biến. Các chi tiết như đường viền, vòng cổ cao và đoàn tàu áo dài cũng được thấy trong khung thời gian này.

Váy cưới những năm 1910

Trong những năm 1910, cô dâu bắt đầu mặc những kiểu váy rộng hơn. Khiêu vũ trong đám cưới đã trở nên phổ biến trong khoảng thời gian này và áo nịt ngực dần không còn là lựa chọn hàng đầu nữa. Những chiếc váy cũng không xa hoa bằng khoảng thời gian trước đó, mặc dù chúng thường có ren, bèo nhún và cổ áo cao của Thời đại Edward.

Thế hệ phụ nữ trẻ vào những năm 1920

Những chiếc váy tinh xảo với các yếu tố như phần eo hoặc tua rua buông xuống, đường viền ngắn hơn cho thấy mắt cá chân và kiểu váy thu hẹp là phổ biến trong những năm 1920, trong số đó cũng có đường may và đường viền sâu.

Kỷ nguyên suy thoái

Đó là một câu chuyện khác trong thời kỳ trầm cảm, khi phụ nữ kết hôn vào ngày chủ nhật đẹp nhất của họ. Trong Thế chiến thứ hai, nhiều cô dâu cảm thấy không thích hợp khi mặc váy trắng xa hoa, và chọn váy nhà thờ hoặc một bộ vest phù hợp cho trang phục cưới của họ. Phong cách váy cưới của những năm 1930 thường vừa vặn và đơn giản hơn, thường được làm từ sợi rayon.

Váy cưới những năm 1940

Bước ra từ Thời kỳ suy thoái, trang phục vẫn có những yếu tố thực tế phản ánh sự cần thiết trong thời chiến. Những chiếc váy của những năm 1940 đôi khi được làm bằng vải trang trí nội thất để tiết kiệm tiền.

Thời hậu chiến

Sau chiến tranh, một kỷ nguyên thịnh vượng bắt đầu và váy cưới chính là thứ phản ánh điều này. Áo cưới trắng trang trọng đã trở thành mốt. Lựa chọn về màu trắng, chẳng hạn như kem, trắng nhạt hoặc trắng ngà đều là những màu váy cưới được ưa thích, trong khi những màu sáng như xanh lam, xanh lá cây hoặc hồng đã không còn thịnh hành. Đặc biệt, nó được coi là xui xẻo khi kết hôn trong một chiếc váy đen.

· Váy cưới những năm 1950 có các yếu tố nữ tính như ren, và váy dạ hội đã trở nên phổ biến.

· Những chiếc váy quây và những đường viền cổ yếm cũng được đưa vào thời trang cô dâu vào cuối những năm 1950.

Thời trang váy cưới những năm 1960

Những kiểu váy bắt đầu được thiết kế thon hơn, cũng như những đường viền được tạo sao cho cao hơn, đây là những đặc điểm nổi bật của thập kỷ này và được nhìn thấy trong các kiểu váy cưới. Váy đôi khi kết hợp các yếu tố kim loại.

Những năm 1970

Phong cách phóng khoáng là một phần quan trọng trong sự phát triển của váy cưới vào những năm 1970. Các chi tiết phổ biến bao gồm đường viền cổ vuông, tay áo rộng rãi hoặc cánh dơi, và viền váy xếp nếp. Váy maxi ren hoặc voan thường được mặc.

Áo cưới những năm 1980

Những năm 1980 đã xuất hiện trong trang phục cưới, với kiểu váy công chúa có tay áo phồng lớn. Các lớp ren và vải tuyn rất phổ biến, và váy thường được làm bằng vải taffeta.

Những năm 1990

Trang phục cô dâu đã được thay đổi đáng kể trong những năm 1990, hầu hết chúng đều nghiêng về kiểu dáng đẹp, tối giản, tương phản với thiết kế của thập niên 80. Áo cưới dài vừa vặn đã được ưa chuộng hơn cả trong thời kì này.

Những năm 2000

Vào những năm 2000, nhiều sự lựa chọn về trang phục hơn đã được thể hiện qua kiểu váy chữ A phổ biến hay mặc áo quây.

Những năm 2010 và sau đó

Các cô dâu liên tục tìm cách cá tính hóa váy cưới của mình, mặc dù màu trắng hoặc kem  vẫn là màu váy thịnh hành, nhưng chúng đã có nhiều biến thể hơn. Các xu hướng bao gồm các điểm nhấn màu trên váy, váy cưới màu hồng nhạt và có hoa văn.

Ảnh hưởng của váy cưới trong lịch sử

Theo thời gian, thật thú vị khi ghi nhận những ảnh hưởng khác nhau đến những chiếc váy cưới lịch sử. Văn hóa, tầng lớp xã hội và các chuẩn mực phổ biến đều đóng một phần lớn trong kiểu váy cưới mà phụ nữ mặc. Ngoài ra, hoàng gia, quý tộc, người giàu có, phong cách nổi tiếng, và tài sản cá nhân hoặc hạn chế ngân sách cũng ảnh hưởng đến cách phụ nữ ăn mặc trong ngày trọng đại đời mình. Ngày nay, phụ nữ được trao quyền nhiều hơn bao giờ hết, với các lựa chọn về trang phục có nhiều ảnh hưởng về văn hóa hoặc thời gian, những trang phục được lấy cảm hứng từ những sự chấp nhận hiện đại của một đám cưới thoải mái và hạnh phúc.

Cô dâu hiện đại có những lựa chọn trang phục không giới hạn

Mặc dù truyền thống ngày nay thường là váy trắng, nhưng không phải cô dâu nào cũng cảm thấy bị ràng buộc theo xu hướng. Cô dâu ngày nay có thể kết hôn với hầu hết mọi phong cách. Từ một chiếc váy được thiết kế trang trí công phu đến một chiếc váy cưới trên bãi biển trang trọng hơn, cô ấy sẽ trông xinh đẹp với bất kỳ phong cách nào cô ấy chọn.

LINH HUYEN/DESIGNS.VN

Bài viết Lịch sử váy cưới theo thời gian đã xuất hiện đầu tiên vào ngày designs.vn.

6 kiệt tác để đời của họa sĩ Tây Ban Nha lừng danh Francisco Goya

Ngày nay, Francisco Goya được biết đến là một trong những cây cọ có tầm ảnh hưởng lớn nhất của hội họa thế giới. Tên tuổi của ông gắn liền với chủ nghĩa Lãng mạn, một trào lưu nghệ thuật xuất hiện khoảng cuối thế kỷ 18. Goya được mệnh danh là một “Old Master” (thuật ngữ dùng để chỉ những họa sĩ xuất sắc trước thế kỷ 18), đồng thời là nhà tiên phong hội họa hiện đại. Sau khi chiêm ngưỡng một số tác phẩm xuất sắc nhất của ông, người thưởng thức sẽ có một cái nhìn hệ thống và liên kết hơn về những danh xưng trên.

Self-Portrait Before the Easel, 1785 (Ảnh: Wikimedia Commons)

Sau đây là 6 kiệt tác nổi tiếng nhất của danh họa Goya với những chủ đề đa dạng, từ hoàng gia, tranh khỏa thân, chiến tranh, cho tới những câu chuyện kì bí, phản ánh lối tiếp cận độc đáo và sáng tạo của người họa sĩ.

THE NUDE MAJA, 1797-1800

Năm 1797, Goya bắt đầu thực hiện một trong những họa phẩm gây nhiều tranh cãi mang tên: The Nude Maja. Tác phẩm khắc họa hình ảnh người phụ nữ maja, tên gọi dành cho những người thuộc tầng lớp dưới tại Marid (thủ đô của Tây Ban Nha) trong tình trạng lõa thể. Mặc dù khi đó, chủ đề khỏa thân không còn xa lạ, chính bối cảnh tác phẩm đã tạo nên sự đặc biệt của nó.

The Nude Maja, 1797-1800 (Ảnh: Wikimedia Commons)

Với The Nude Maja, Goya đã khắc họa một nhân vật và khung cảnh đương thời trong trạng thái lõa thể, thay vì một nhân vật thần thoại, cổ xưa. Mặc dù cho tới nay, nguồn gốc của tác phẩm vẫn là một bí ẩn, một số nhà sử học tin rằng The Nude Maja được đặt hàng bởi ngài Manuel de Godoy, vị Ngoại trưởng đầu tiên của Tây Ban Nha từ 1792-1797 cho bộ sưu tập các tác phẩm khỏa thân của mình.

The Nude Maja bị thu giữ trong Tòa án dị giáo Tây Ban Nha. Kể từ đó, nó được lưu giữ và trưng bày cùng với họa phẩm đi đôi với nó mang tên The Clothed Maja tại Học viện Mỹ thuật Hoàng gia San Fernando và Bảo tàng Prado tại thủ đô Madrid, Tây Ban Nha.

THE CLOTHED MAJA, 1798-1805

5 năm sau, Goya hoàn thiện họa phẩm The Clothed Maja, người em sinh đôi của tác phẩm The Nude Maja. Cả hai tác phẩm đều khắc họa cùng một nhân vật, khung cảnh, và dáng điệu. Tuy nhiên, điểm khác nhau là người phụ nữ trong tác phẩm The Clothed Maja có mặc quần áo.

The Clothed Maja, 1798-1805 (Ảnh: Wikimedia Commons)

Vậy nhưng đây không phải là điểm khác biệt duy nhất giữ hai họa phẩm bởi trong tác phẩm The Clothed Maja, Goya phóng ống kính cận cảnh hơn vào nhân vật chính trên chiếc giường so với tác phẩm The Nude Maja. Chi tiết này có thể phản ánh vẻ ngại ngùng của người phụ nữ trong trạng trái lõa thể.

CHARLES IV OF SPAIN AND HIS FAMILY, 1800-1801

Đến năm 1799, Goya nhận được danh hiệu Primer Pintor de Cámara, danh hiệu cao quý nhất mà một người họa sĩ nhận được tại Tây Ban Nha. Tương tự Diego Velázquez, họa sĩ Primer Pintor de Cámara đi trước, Goya nổi tiếng với khả năng khắc họa nhân vật một cách vô cùng chân thật.

Trong khi hầu hết các tác phẩm của Velázquez đều mang màu sắc hiện thực và tích cực, họa phẩm của Goya lại mang màu sắc u ám, hận thù. Tiêu biểu là tác phẩm Charles IV of Spain and His Family, với nhân vật chính là những thành viên trong một gia đình hoàng gia với dáng vẻ cứng nhắc và kiểu cách.

Charles IV of Spain and His Family, 1800-1801 (Ảnh: Wikimedia Commons)

Mặc dù có lối tiếp cận trái ngược với họa sĩ tiền bối Velázquez, không thể phủ nhận rằng Goya coi Velázquez như nguồn cảm hứng của mình. Tương tự tác phẩm hoàng gia nổi tiếng nhất của Velázquez mang tên Las Meninas, Charles IV of Spain and His Family xuất hiện chân dung của người họa sĩ với chiếc bảng vẽ phía sau bức hình.

THE THIRD OF MAY 1808, 1814

Goya luôn được đánh giá là một họa sĩ hoàng gia thành công. Vậy nhưng, ông được biết đến rộng rãi nhất qua loạt tác phẩm với chủ đề chính trị. Trong tác phẩm The Third of May 1808, ông dành sự ca ngợi và tưởng niệm cho những binh lính Tây Ban Nha đã anh dũng khởi nghĩa chống lại quân đội Pháp trong một trong những trận chiến xâm lược của Napoleon.

The Third of May 1808, 1814 (Ảnh: Wikimedia Commons)

Cụ thể hơn, bức họa khắc họa đội quân của Napoleon trong cuộc đụng độ với người dân Tây Ban Nha. Kịch tính, gay cấn, và dạt dào cảm xúc, tác phẩm đã khắc họa hành động tàn sát dã man của quân xâm lược người Pháp lên những con người nhỏ bé đang chiến đấu vì người lãnh đạo và tổ quốc của họ.

Bằng lối tiếp cận u ám, mang tính cách mạng, The Third of May 1808 đã trở thành một trong những tác phẩm quan trọng nhất của hội họa hiện đại. Giám đốc bảo tàng và nhà sử học nghệ thuật nổi tiếng người Anh Kenneth Clark thậm chí đã coi nó là “tác phẩm đầu tiên mang tính cách mạng ở mọi khía cạnh, từ phong cách, chủ đề, tới chủ đích.”

SATURN DEVOURING HIS SON, 1819-1823

Sau này, Goya tiếp tục phát triển phong cách đó. Giữa năm 1819 và 1823, ông thực hiện dự án Black Paintings, bộ sưu tập gồm 14 tác phẩm với chủ đề gây nhiều ám ảnh. U ám cả về nội dung và màu sắc, mỗi tác phẩm đều phản ánh những trở ngại về tuổi tác hay tình trạng sức khỏe của người nghệ sĩ lúc bấy giờ. Ở thời điểm đó, Goya mang trong mình hai trọng bệnh, điều này cũng đã ảnh hưởng xấu tới trạng thái tinh thần của ông.

Một trong những tác phẩm đặc sắc nhất trong bộ sưu tập ghê rợn này chính là Saturn Devouring His Son, tác phẩm sơn dầu khắc họa hình ảnh người cha đang ăn thịt chính con ruột của mình. Trong thần thoại La Mã, thần Saturn, người đứng đầu tộc Titan (người khổng lồ) đã lật đổ cha mình – thần Caelus để xưng vương. Tuy nhiên, sau khi đã lật đổ thần Caelus, hắn lại lo sợ rằng những đứa con ruột sẽ làm điều tương tự với mình. Để ngăn chặn điều đó, hắn đã giết và ăn thịt ngay khi chúng được sinh ra. Tuy vậy, Goya đã chỉnh sửa đôi chút và khắc họa đứa con của Saturn trong hình dạng trưởng thành.

Saturn Devouring His Son, c. 1819-1823 (Photo: Wikimedia Commons)

Vào khoảng thập niên 70 của thế kỷ 19 – 50 năm sau khi người họa sĩ đã qua đời – Black Paintings được chuyển từ tranh tường sang bảng vẽ. Đến năm 1881, chúng được quyên tặng cho chính phủ Tây Ban Nha, và ngày nay đã trở thành một trong những điểm sáng của bảo tàng nghệ thuật Prado tại thủ đô Madrid, Tây Ban Nha,

WITCHES’ SABBATH (THE GREAT HE-GOAT), 1821

Saturn Devouring His Son thực tế trong phải tác phẩm nổi bật duy nhất trong bộ sưu tập Black Paintings, đồng hành với nó là một tác phẩm khác mang tên Witches’ Sabbath (The Great He-Goat). Hiện lên trong họa phẩm là nhân vật quỷ Satan, được khắc họa trong hình hài của một con cừu đen to lớn, phía trước là một nhóm phù thủy.

Witches’ Sabbath (The Great He-Goat), 1821  (Ảnh: Wikimedia Commons)

Tương tự loạt tác phẩm thuộc bộ sưu tập Black Paintings, chủ đề và màu sắc u ám của tác phẩm phản ánh trạng thái thể chất và tinh thần bất ổn của người nghệ sĩ lúc bấy giờ. Tuy vậy, ngay cả rất lâu trước đó, Goya vẫn luôn yêu thích những gam màu tối. “Trong hội họa, màu sắc không quan trọng,” ông chia sẻ. “thứ tôi quan tâm là ánh sáng và bóng tối.”

Không may, Witches’ Sabbath (cuộc họp phù thủy) đã bị khuyết bị mảng rộng khoảng 1.5 mét sau khi được dỡ xuống khỏi bức tường tại căn nhà của Goya. Tuy vậy, với chiều rộng hơn 4.27 mét, Witches’ Sabbath vẫn được coi là một trong những tác phẩm quy mô lớn xuất sắc nhất của Francisco Goya.

MAI ANH/DESIGNS.VN

Bài viết 6 kiệt tác để đời của họa sĩ Tây Ban Nha lừng danh Francisco Goya đã xuất hiện đầu tiên vào ngày designs.vn.

LỄ TỔNG KẾT VÀ TRAO GIẢI QUỐC GIA cuộc thi Vô địch Thiết kế Đồ họa Thế giới Adobe Certified Associate World Championship 2021

Ngày 24/10/2021, Tổ chức giáo dục IIG Việt Nam phối hợp với Trung ương Đoàn TNCS Hồ Chí Minh và Bộ Lao động, Thương binh và Xã hội tổ chức Lễ tổng kết và trao giải Cuộc thi Vô địch Thiết kế đồ họa thế giới – ACAWC 2021 tại Việt Nam. Tại buổi lễ, 3 quán quân quốc gia đại diện cho đội tuyển Việt Nam tham dự vòng chung kết thế giới đã chính thức lộ diện.

Tại Lễ Tổng kết và Trao giải ACAWC 2021, 15 thí sinh xuất sắc nhất tham gia Vòng Chung kết Quốc gia lần lượt thuyết trình về ý tưởng sáng tạo của mình trong bộ ấn phẩm thiết kế về đề tài “Tuổi trẻ Việt Nam chung tay chống dịch Covid-19”. Qua tác phẩm thiết kế của các thí sinh, BTC mong muốn lan tỏa mạnh mẽ thông điệp về nhiệt huyết của tuổi trẻ cũng như vai trò và trách nhiệm của các bạn trước khó khăn chung của đất nước; qua đó góp phần nâng cao ý thức phòng chống dịch. Theo đánh giá của BTC, 15 tác phẩm là 15 góc nhìn đa chiều của các thí sinh về chủ đề mang tính thời cuộc, qua đó thể hiện được cá tính cùng kỹ thuật thiết kế sắc sảo và khả năng sáng tạo không giới hạn trong truyền tải thông điệp và ý tưởng thiết kế. Các bài dự thi của thí sinh đều được Hội đồng Giám khảo Quốc tế đánh giá rất cao về khả năng sáng tạo.

Kết quả chung cuộc, Ban tổ chức đã vinh danh 15 giải thưởng cá nhân xuất sắc tại Cuộc thi, bao gồm: 3 giải Nhất, 3 giải Nhì, 3 giải Ba và 6 giải Khuyến khích. Trong đó, chủ nhân của 3 giải Nhất tương ứng với 3 bảng thi đấu lần lượt thuộc về: Phan Thuỳ Nhi – Đại học Văn Lang TPHCM, Trần Ngọc Dung – Cao đẳng Anh quốc BTEC FPT Hà Nội, Nguyễn Khánh Vân – THCS-THPT Nguyễn Tất Thành, Hà Nội. Ba Quán quân Quốc gia được nhận Huy hiệu Tuổi trẻ sáng tạo – Huy hiệu cao quý nhất của tuổi trẻ Việt Nam do T.Ư Đoàn trao tặng, huy chương vàng cấp quốc gia cùng phần thưởng trị giá 30 triệu đồng; đặc biệt là trở thành Đại sứ ACA của Việt Nam tham gia VCK thế giới của Cuộc thi vào tháng 11 tới. Các thí sinh đạt giải Nhì và Ba cũng được nhận bằng khen của T.Ư Đoàn cùng phần thưởng từ BTC tương ứng với từng giải. Với mỗi thí sinh đạt giải Khuyến khích sẽ được nhận giấy chứng nhận cùng phần thưởng từ BTC.

Giải nhất bảng A

Bước sang mùa giải thứ 4 có mặt tại Việt Nam, Cuộc thi ghi dấu ấn đặc biệt chưa từng có trong lịch sử với phương thức thi trực tuyến trong bối cảnh gặp nhiều khó khăn, hạn chế do ảnh hưởng của dịch bệnh Covid-19. Song Cuộc thi vẫn thu hút sự quan tâm và tham gia đông đảo của hơn 30 đội tuyển đến từ các Tỉnh/Thành Đoàn, các cơ sở giáo dục trên cả nước. Vượt qua các vòng thi cấp cơ sở, gần 140 thí sinh xuất sắc nhất cả nước đã bước vào tranh tài tại Vòng loại quốc gia. Sau vòng loại, 82 chứng chỉ ACPro quốc tế được trao tặng cho các thí sinh đạt trên 700 điểm, trong đó có cả các thí sinh đến cả từ các tỉnh thành xa xôi như Lâm Đồng, Đăk Lăk, Đồng Nai, Cần Thơ. Điều này chứng tỏ bộ môn thiết kế đồ họa ngày càng lan tỏa rộng rãi đến nhiều địa phương và được quan tâm đào tạo bài bản theo chuẩn quốc tế.

Giải nhất bảng B

Phát huy thành công từ mùa giải năm trước, năm nay cuộc thi tiếp tục được chia 3 bảng tương ứng với 3 cấp học ĐH-HV, CĐ-TC, THC-THPT. Điều này không chỉ tạo sự công bằng trong đánh giá giữa các cấp học, bậc học mà còn giúp tăng cơ hội đạt giải, góp phần khích lệ các bạn thí sinh tự tin tham gia sân chơi đồ họa này với tinh thần cao nhất. Cơ cấu giải thưởng cũng vô cùng hấp dẫn với tổng giá trị giải thưởng hàng trăm triệu đồng.

Năm nay, do ảnh hưởng của dịch Covid-19, nhằm đảm bảo an toàn cho toàn thể thí sinh và những người tham gia, Vòng Chung kết Thế giới sẽ được tổ chức trực tuyến. 6 thí sinh của đội tuyển Việt Nam tại hai mùa giải 2020 và 2021 sẽ cùng thi đấu tại VCK thế giới ngay trên chính “sân nhà” để tranh bộ huy chương duy nhất gồm Vàng, Bạc, Đồng kèm theo phần thưởng tiền mặt trị giá hàng nghìn USD tương ứng với từng hạng mục giải. Thí sinh thuộc Top 10 và Giải khán giả bình chọn cũng sẽ được vinh danh và nhận giải thưởng trong khuôn khổ Vòng Chung kết Thế giới.

THÔNG TIN VỀ CUỘC THI ACAWC VÀ THÀNH TÍCH CỦA VIỆT NAM TẠI VCK THẾ GIỚI

Cuộc thi Vô địch Thiết kế Đồ họa Thế giới (ACAWC) là cuộc thi thường niên do Tập đoàn Certiport (Hoa Kỳ) tổ chức từ năm 2013 để tìm ra những chuyên gia thiết kế hàng đầu sử dụng phầm mềm Adobe Photoshop, Adobe Illustrator và Adobe Indesign. Cuộc thi dành cho học sinh, sinh viên độ tuổi từ 13 đến 22 với quy mô toàn cầu và thu hút hàng trăm ngàn thí sinh của gần 70 quốc gia và vùng lãnh thổ tham gia mỗi năm. IIG Việt Nam – Đại diện Quốc gia của Certport được ủy quyền tổ chức cuộc thi tại Việt Nam từ năm 2018.

Sau 2 mùa giải tham dự VCK thế giới, đội tuyển Việt Nam đã đạt được những thành công rất đáng tự hào:

– Năm 2018 (năm đầu tiên Việt Nam tham gia VCK Thế giới): Đại sứ ACA Việt Nam đã xuất sắc giành được Huy chương Đồng danh giá trong bộ huy chương duy nhất của cuộc thi.

– Năm 2019: Đại sứ ACA Việt Nam đã nối dài thành tích với Giải Khán giả bình chọn nhiều nhất, tiếp tục hành trình mang vinh quang về cho Tổ quốc.

THÔNG TIN THÊM VỀ BÀI THI ACA (NAY ĐỔI TÊN THÀNH ACPro)

ACAWC sử dụng bài thi ACA nay đổi tên thành ACPro (Adobe Certified Professional) để đánh giá trình độ của thí sinh. Tên gọi mới của bài thi đã khẳng định mạnh mẽ hơn giá trị và mức độ chuyên nghiệp trong nghề khi sở hữu chứng chỉ ACPro; qua đó góp phần rộng mở cơ hội nghề nghiệp cũng như khởi nghiệp trong tương lai.

Bài thi ACPro do Tập đoàn Certiport (Hoa Kỳ) thiết kế, dựa trên kỹ năng sử dụng các công cụ phần mềm Adobe trong thiết kế các ấn phẩm, video, web và các ứng dụng đa phương tiện truyền thông phổ biến nhất hiện nay. IIG Việt Nam là Đại diện Quốc gia và duy nhất của Certiport được cung cấp bài thi ACPro tại Việt Nam. ACPro là chứng chỉ đo lường khả năng sử dụng Adobe do Tổng giám đốc Adobe thế giới ký tên và có giá trị toàn cầu, là minh chứng sinh động nhất cho năng lực thiết kế ở trình độ quốc tế của các thí sinh.

Tham gia ACAWC tại Việt Nam, mỗi thí sinh sẽ thi đấu ở các nội dung Adobe Photoshop và Adobe Illustrator. Mỗi nội dung thi được thực hiện hoàn toàn trực tuyến trong thời gian từ 50 phút với thang điểm tối đa là 1000 điểm. Các thí sinh đạt 700/1000 trở lên sẽ được nhận chứng chỉ ACPro quốc tế có giá trị toàn cầu do chính Tổng Giám đốc Adobe thế giới ký tên.

———————————

TỔ CHỨC GIÁO DỤC IIG VIỆT NAM – Đại diện Quốc gia và duy nhất của Tập đoàn Certiport (Hoa Kỳ) tại Việt Nam, Lào, Campuchia và Myanmar.
Địa chỉ: 75 Giang Văn Minh, Ba Đình, Hà Nội
Website: www.iigvietnam.com ; FB: https://www.facebook.com/iigvn/    
Người liên hệ: Ms. Lê Thị Thìn – Phụ trách Truyền thông
ĐT: 0974954409
Email: pr@iigvietnam.edu.vn

DESIGNS.VN

Bài viết LỄ TỔNG KẾT VÀ TRAO GIẢI QUỐC GIA cuộc thi Vô địch Thiết kế Đồ họa Thế giới Adobe Certified Associate World Championship 2021 đã xuất hiện đầu tiên vào ngày designs.vn.

GALA VINH DANH VIETNAM HALOGRAPHY 2021 – LIVESTREAM TẠI FANPAGE VIETNAM HALOGRAPHY

• Thời gian: 19:00 ngày Thứ 6, 22/10/2021
• Địa điểm: Livestream tại Fanpage Vietnam Halography và Youtube Vietnam Halography

Tuần lễ Thiết kế Sáng tạo Vietnam Halography 2021 diễn ra xuyên suốt từ ngày 16.10 đến 22.10.2021 với chuỗi hoạt động đa dạng với hơn 30 nội dung gồm: Video showcase, Halo Radio, Podcast, Talkshow chuyên đề dành riêng cho cộng đồng sáng tạo tại Việt Nam đã bước vào những ngày cuối cùng.

Đêm Gala Vietnam Halography đậm chất “chill” sẽ khép lại Tuần lễ Thiết kế Sáng Tạo Creative Design Week – Vietnam Halography 2021 diễn ra vào 19:00 Thứ 6, ngày 22/10/2021. Cùng đón chờ những màn “On Stage ‘n Chill” ấn tượng của các tác giả:  

1. Halo Dot: Chứng kiến giây phút On Stage của 13 tác giả có dự án xuất sắc nhất Halo Dot, chia sẻ về các dự án sáng tạo của mình và vinh danh giải thưởng Dự án của năm.
2. Halo Race: Lắng nghe những màn bảo vệ ý tưởng đến từ Top 5 thí sinh Halo Race để tìm ra 03 Giải thưởng danh giá – Và 01 Giải thưởng Tác phẩm được yêu thích nhất được bình chọn bởi cộng đồng sáng tạo.

Đừng bỏ lỡ cơ hội chill cùng Halography và Cộng đồng sáng tạo, lưu ngay sự kiện Gala 19h00 ngày Thứ 6 ngày vào lịch của bạn để tham gia sự kiện không thể chill hơn cùng Vietnam Halography.

Bên cạnh đó, người tham dự HALO GALA sẽ có cơ hội nhận được phần quà là 01 loa Marshall cùng những phần quà hấp dẫn khác từ các đối tác đồng hành cùng Vietnam Halography, dành cho khán giả may mắn. 

• Fanpage chính thức của Vietnam Halography: https://www.facebook.com/vietnamhalography
• Youtube Channel: https://www.youtube.com/channel/UCjEw9jJ3-0l63UM5hJDDFNw

DESIGNS.VN

Bài viết GALA VINH DANH VIETNAM HALOGRAPHY 2021 – LIVESTREAM TẠI FANPAGE VIETNAM HALOGRAPHY đã xuất hiện đầu tiên vào ngày designs.vn.

Khoảnh khắc như chững lại trong bức tranh khắc họa thủ đô Paris của 150 năm về trước

Gustave Caillebotte, “Paris Street; Rainy Day” (chi tiết), 1877 (Ảnh: The Art Institute of Chicago)

Cuộc sống đương thời là một nguồn cảm hứng lớn của họa sĩ Ấn tượng. Trong trường phái Ấn tượng, các bức tranh thường được vẽ rất nhanh cốt ghi lại ấn tượng tổng quát của tác giả với những khoảng khắc phù du thay vì tập trung vào chi tiết. Vậy nhưng, trên thực tế, không phải họa sĩ ấn tượng nào cũng sử dụng lối tiếp cận này bởi một số gương mặt trung thành của trường phái Ấn tượng lại chịu nhiều tác động của Trường phái Hiện thực và danh họa người Pháp Gustave Caillebotte với tác phẩm huyền thoại Paris Street; Rainy Day là một ví dụ điển hình.

Ra đời vào năm 1877, Paris Street; Rainy Day là một trong những tác phẩm xuất sắc nhất của Gustave Caillebotte – nhân tố quan trọng của trường phái Ấn tượng. Ngay lúc này, bạn có thể thắc mắc rằng tại sao Paris Street; Rainy Day, với một lối tiếp cận khác biệt, lại được xếp vào danh mục các tác phẩm thuộc trường phái Ấn tượng. Để giải mã câu hỏi này, ta cần phải nhìn vào hoàn cảnh ra đời của bức họa, bắt đầu với cuộc đời và sự nghiệp của Caillebotte.

Gustave Caillebotte

Gustave Caillebotte, “Chân dung tự họa,” ca. 1892 (Ảnh: Wikimedia Commons)

Danh họa người Pháp Gustave Caillebotte sinh năm 1848 tại thủ đô Paris, Pháp. Mặc dù luôn có một niềm đam mê lớn với hội họa, Caillebotte lại học Luật, trở thành một kỹ sư, rồi tham gia Chiến tranh Pháp-Phổ. Tuy vậy, tới năm 1873, ông theo học tại École des Beaux-Arts (“Trường dạy Mỹ thuật”), một năm sau đó, ông gia nhập Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs (“Hiệp hội Họa sĩ, Nhà Điêu khắc, Nghệ sĩ Khắc chạm”), một nhóm các họa sĩ tại Paris mà sau này được biết đến với tên gọi Ấn tượng.

Gustave Caillebotte, “The Floor Scrapers,” (“Thợ nạo sàn”) 1875 (Ảnh: Wikimedia Commons)

Năm 1874, nhóm họa sĩ tổ chức tám buổi triển lãm độc lập với mục đích trưng bày các sáng tạo nghệ thuật tân tiến, đổi mới thay cho triển lãm Salon thường niên của Académie des Beaux-Arts (“Học viện Mỹ thuật”). Buổi triển lãm thu hút sự chú ý của Caillebotte. Trong một lần tới tham quan buổi triển lãm, Caillebotte nhận được lời mời trưng bày tranh tại triển lãm lần 2 vào năm 1876 – bao gồm tác phẩm Les raboteurs de parquet, hay còn được biết đến với tên gọi Thợ nạo sàn mà trước đó đã bị từ chối bởi triển lãm Salon.

Đáng ngạc nhiên, sự xuất hiện của Caillebotte tại buổi triển lãm Ấn tượng lần hai đã nhận được những phản ứng tích cực. Sự kiện này đã kết nối Caillebotte với hai gương mặt đầy tài năng của trường phái Ấn tượng bao gồm Edgar Degas và Pierre-Auguste Renoir, là bước đầu gia nhập trường phái Ấn tượng của Caillebotte. Đến năm 1877, người họa sĩ tiếp tục góp mặt trong buổi triển lãm độc lập lần 3 với tác phẩm Paris Street; Rainy Day bên cạnh một số tác phẩm nổi tiếng khác.

Paris Street; Rainy Day

Gustave Caillebotte, “Paris Street; Rainy Day,” 1877 (Ảnh: The Art Institute of Chicago)

Paris Street; Rainy Day khắc họa lối giao tại thủ đô Paris hoa lệ trong một ngày mưa phùn. Tác phẩm lấy bối cạnh cụ thể tại Carrefour de Moscou (ngày nay là Place de Dublin) – một con đường ở quận 8 của Paris. Mặc dù hiện lên như một bức ảnh chụp nhanh, trên thực tế, bức tranh đã được lên kế hoạch kỹ lưỡng. Xuất hiện đằng xa là công trình Haussmann thuộc dự án tái quy hoạch và hiện đại hóa thủ đô Paris của Pháp dưới thời Napoléon III; cận cảnh là con đường gạch phủ mưa; và những dòng người che ô lướt qua.

Xét trong bối cảnh hiện tại, chủ đề cuộc sống đương thời của Paris Street; Rainy Day có lẽ không phải điều gì quá mới lạ, tuy nhiên, ngược về thời điểm bức tranh được ra đời, khi mà hội họa Pháp vẫn chỉ đắm chìm trong những chủ đề về thần thoại, lịch sử, hay ngụ ngôn thì đó quả thật là một cuộc cách mạng hóa hội họa của trường phái Ấn tượng. Tuy nhiên, điều này không có nghĩa hội họa ấn tượng không hề chịu ảnh hưởng của các trào lưu/phong cách nghệ thuật. Trên thực tế, Caillebotte đã sớm biết đến và chịu nhiều tác động từ nghệ thuật nhiếp ảnh, bộ môn nghệ thuật mà em trai ông – Martial Caillebotte theo đuổi.

Martial Caillebotte, Gustave Caillebotte và Bergère tại Place du Carrousel, 1892 (Ảnh: Wikimedia Commons)

Ở giai đoạn đầu của trường phái Ấn tượng, nhiếp ảnh vẫn là một bộ môn vô cùng mới lạ. Hứng thú với loại hình nghệ thuật mới lạ sử dụng công nghệ, rất nhiều họa sĩ Ấn tượng, bao gồm Degas, một trong những người bạn thân thiết nhất của Caillebotte đã thử nghiệm cropping bức tranh như của máy ảnh. Lối tiếp cận này cho ra đời hàng loạt tác phẩm có kết cấu khác lạ, bất đối xứng.

Caillebotte không nằm ngoài số này, rất nhiều tác phẩm của ông, bao gồm Paris Street; Rainy Day có sử dụng kỹ thuật nhiếp ảnh. Cụ thể là ở cách họa sĩ sắp xếp nhân vật trong tranh – đặc biệt là nhân vật ở rìa bên phải của bức tranh thường chỉ xuất hiện nửa người, như vô tình đi ngang qua ống kính. Tương tự như vậy, một số nhân vật khác có thể bị che lấp bởi người qua đường, những chiếc ô hay một con ngựa.

Ngoài kỹ thuật cropping, Caillebotte còn áp dụng một kỹ thuật nhiếp ảnh khác đó chính là kỹ thuật lấy nét và làm mờ. Cụ thể hơn, các nhân vật ở gần ống kính máy được khắc họa rõ nét nhất và mờ dần về phía sau.

Tác phẩm ngày nay

Ảnh: Wikimedia Commons (CC BY 2.0)

Paris Street; Rainy Day thuộc quyền sở hữu của gia đình Caillebotte cho đến năm 1955, sau khi nó được mua bởi nhà sưu tầm nghệ thuật nổi tiếng Walter P. Chrysler Jr. Gần một thập kỷ sau, Chrysler đã bán bức tranh cho công ty môi giới tranh cổ Wildenstein and Company và sau đó vào năm 1964, công ty này lại tiếp tục chuyển giao bức tranh cho Viện Nghệ thuật Chicago.

Gần 65 năm sau, Paris Street; Rainy Day vẫn tiếp tục là một điểm sáng của bộ sưu tập tại bảo tàng. Tương tự các tác phẩm hội họa khác được lưu giữ và trưng bày tại Viện Nghệ thuật Chicago – bao gồm tác phẩm A Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte, Nighthawks, và American Gothic – Paris Street; Rainy Day đã chứng minh rằng đôi khi, kiệt tác nghệ thuật có thể bắt nguồn từ những chủ đề nhỏ bé, đơn giản nhất.

MAI ANH/DESIGNS.VN

Bài viết Khoảnh khắc như chững lại trong bức tranh khắc họa thủ đô Paris của 150 năm về trước đã xuất hiện đầu tiên vào ngày designs.vn.

Khái quát lịch sử, ưu và nhược điểm của không gian mở

Không gian mở là gì?

Trước đây, những ngôi nhà được xây dựng theo kiểu mỗi phòng sẽ phục vụ cho một nhu cầu riêng biệt. Phòng ngủ chính tách biệt, phòng khách dùng để tiếp khách hay để giải trí cũng vậy. Tuy nhiên, diện tích phòng sử dùng ngày càng ít đi, các chủ nhà dần dần tìm biện pháp để thay thế cách xử trí này. Vì vậy, ý tưởng về không gian mở ra đời.

Thuật ngữ “không gian mở” thực sự có ý nghĩa là rỡ bỏ mọi ranh giới trong ngôi nhà. Cấu trúc này sẽ hoàn toàn không sử dụng đến những bức tường hay vách ngăn, khiến không gian thoáng, “mở” hơn, và trở thành giải pháp tối ưu cho những ngôi nhà nhỏ.

Một không gian mở sẽ giúp cho chúng ta có cảm giác thông thoáng và khiến việc đi lại trong nhà trở nên dễ dàng hơn. Hơn nữa, kiến trúc không gian mở hiện đại không chỉ cho ta thấy ích lợi về mặt kinh tế, mà còn cả về giá trị xã hội cũng như sự thoải mái nữa.

Lịch sử không gian mở

Một xu hướng khá gần đây trong thiết kế những ngôi nhà ở ngoại ô là sơ đồ không gian mở.

Trước Thế chiến 2, hầu hết các hộ gia đình đều sử dụng sơ đồ mặt bằng đơn giản, trong đó hành lang chính sẽ mở lối vào các phòng nhánh phục vụ các mục đích khác nhau. Vị trí của nhà bếp thường ở phía sau của nhà, vì vậy nó không được sự dụng cho mục đích giao tiếp xã hội. Một chiếc cửa phụ sẽ được lắp đặt bên ngoài nhà bếp để giao thức ăn hoặc làm lối vào cho công nhân.

Trong những năm hậu chiến, không gian sàn mở mới bắt đầu thực sự có tác dụng. Một không gian mở sẽ cung cấp tính linh hoạt trong phong cách, và nhà bếp thường là nơi được áp dụng đầu tiên. Một trong những lợi ích trước mắt của việc này là bạn có thể để mắt đến trẻ nhỏ trong khi đang chuẩn bị hay dọn dẹp bữa ăn. Trong những năm 1990, không gian mở gần như trở thành tiêu chuẩn của những ngôi nhà mới.

Mặc dù biết rõ là mọi thứ sẽ trở nên thuận tiên hợn nhiều khi thiết kế một không gian như thế, nhưng họ cũng phải đảm bảo việc sắp xếp mọi thứ trong nhà thật ngăn nắp, nếu không không gian sẽ nhanh chóng trở nên lộn xộn.

Không gian sống mở khích lệ việc gắn kết xã hội cũng như việc làm các hoạt động có tính độc lập cùng lúc: các thành viên trong gia đình có thể làm việc riêng của mình nhưng vẫn gắn kết với nhau. Và nhà bếp, phòng ăn và phòng khách sẽ được hợp nhất thành một khu vực tổ chức tiệc tùng.

Những nơi trong nhà có thể áp dụng không gian mở

Một ngôi nhà theo khái niệm mở không có nghĩa là tất cả các phòng đều thông nhau. Nó cũng không có nghĩa là giữa các phòng ngủ không có bức tường nào ngăn cách hết. Không gian sống mở chỉ dành riêng cho các khu vực sinh hoạt chung.

Những nơi không áp dụng không gian mở là Phòng tắm, phòng trang điểm, phòng ngủ. Không gian sinh hoạt mở thường bao gồm một biến thể của nhà bếp, khu vực ăn uống và phòng khách.

Nhà bếp và phòng ăn: Một không gian chung cũng có chung khu vực tiếp khách và ăn uống. Đảo bếp hoặc bán đảo thường đóng vai trò như một ranh giới phân chia ở cả hai nơi.

Phòng ăn và phòng khách: Trong hình dạng của một loạt cầu thang ngắn, hai màu sơn tương phản, cầu thang hướng đến khu vực lan can, đường phân cách có thể nhìn thấy được.

Nhà bếp / phòng ăn / phòng khách: Trong một căn phòng rộng, có lẽ với một căn phòng lớn, cả ba khu vực này đều có thể liên kết với nhau.

Cách trang trí không gian mở

Vì không có những bức tường ngăn cách nên việc phân chia không gian mở gặp đôi chút khó khăn. Do đó, có một giải pháp khá hay ho đó chính là đặt đồ vật phân chia khu vực theo đúng đặc tính của không gian đó. Để đánh dấu nơi phòng bắt đầu, hãy đặt một chiếc ghế sofa và  hay một chiếc bàn console ngay bên ngoài khu vực bếp. Và giờ bạn có thể đánh dấu khoảng không gian này bằng cách đặt một tấm thảm.

Hãy tìm kiếm tiêu điểm trung tâm hoặc xây dựng tiêu điểm trong khi sắp đặt đồ nội thất, sau đó sắp xếp các đồ nội thất xung quanh nó. Ví dụ: nếu trong phòng khách nhà bạn có một bức tường thư viện thật đáng yêu, hãy biến nó thành tâm điểm bằng cách đặt những món đồ lớn hơn xung quanh nó.

Ánh sáng cũng hỗ trợ việc xác định các khu vực hoạt động độc đáo của căn phòng. Ví dụ, đặt một chiếc bàn ăn trong phòng và hỗ trợ nó bằng một chiếc đèn bàn hoặc đèn chùm.

Ưu điểm:

Không gian mở sở hữu những ưu điểm đa chiều.

Đầu tiên và có lẽ là quan trọng nhất: Nó khiến một căn hộ trông có diện tích nhỏ trông lớn hơn đáng kể.

Việc loại bỏ các bức tường đồng nghĩa với việc ngôi nhà sẽ tràn ngập bởi ánh nắng mặt trời, làm cho nơi ở trông thoáng mát và rộng rãi hơn.

Một căn hộ nhỏ với nhà bếp thậm bé xíu nằm tách biệt với phòng khách sẽ mang lại cảm giác đông đúc, chật chội, trái ngược với một nhà bếp mở nhìn ra phòng khách không có vách ngăn.

Bên cạnh đó, sẽ rất tiện lợi khi bạn có thể vừa nói chuyện phiếm vừa đánh vài món ngon trong bếp hay chiêu đãi khách khứa.

Tuy nhiên, khi quyết định xây đảo bếp hay đặt một chiếc bàn, đừng quên việc ngăn cách hai phòng. Nó cũng sẽ khuyến khích bạn theo dõi con cái khi bạn đang làm việc trong bếp.

Nhược điểm

Cái gì cũng có tính hai mặt của nó, và không gian mở cũng có những nhược điểm nhất định.

Vì sơ đồ sàn mở không tính đến việc sử dụng các vách ngăn nên việc điều hòa khí hậu bên trong ngôi nhà có thể trở thành mối quan tâm đáng kể.

Ngoài ra, kết cấu không tường này ảnh hưởng đến tính riêng tư, điều này cũng khiến việc quản lý âm thanh trở thành một vấn đề. Ví dụ, bạn khó có thể nói chuyện trên điện thoại di động trong khi con bạn đang chơi trong phòng khách.

Thông thường, những cấu trúc không có tường ngăn này sẽ dựa vào kim loại hoặc ván nhiều lớp để bảo vệ. Để lắp đặt chúng thì không hề rẻ.

Không gian mở là nơi hoàn hảo cho các sự kiện nhóm, nhưng chúng khiến việc tìm kiếm những nơi yên tĩnh để đọc sách hoặc làm việc riêng thành một vấn đề khó nhằn. Nói tóm lại, chúng không thể mang lại sự riêng tư tuyệt đối trong nhà.

PHUONG LINH/DESIGNS.VN

Bài viết Khái quát lịch sử, ưu và nhược điểm của không gian mở đã xuất hiện đầu tiên vào ngày designs.vn.